Director: Alejandro G. Iñárritu
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Elenco: Michael Keaton, Emma Stone, Kenny Chin, Jamahl Garrison-Lowe, Zach Galifianakis, Naomi Watts, Jeremy Shamos, Andrea Riseborough, Katherine O'Sullivan, Damian Young, Keenan Shimizu, Akira Ito, Natalie Gold, Merrit Wever, Edward Norton.
" Un actor en decadencia, que alguna vez interpretó a un icónico superhéroe intenta revivir su carrera escribiendo y protagonizando su propia obra en Broadway."
En una secuencia de esta película que ocurre en un pequeño bar, el personaje que interpreta Michael Keaton en un tono de "celebridad convertida en actor serio" cuyo nombre es Riggan Thomson se burla de Tabitha, la despiadada critica del New York Times, sobre como todos los que se dedican al oficio (es decir los críticos), suelen caer en etiquetas y comparaciones absurdas para describir las temáticas de sus escritos, sin llegar a las entrañas de cómo el arte que contemplaron los hizo sentir en realidad. Y esta escena suele hacerme reflexionar cada vez que la veo, como si el personaje estuviera hablando directamente conmigo. Entonces, ¿cómo me hace sentir este filme? ¿cuáles serían las líneas breves, las etiquetas que usaría para describir mi experiencia al verla?
Aunque cada ocasión al estar frente a una obra cinematográfica es distinta, debo señalar que el impacto que produjo en mí la primera vez ha ido disminuyendo con el transcurrir del tiempo, y por cierto ya la he apreciado en más de una oportunidad. Como sea, para reseñarla utilizaría los términos: asombrado, profundamente impresionado, llena de maravillas e incluso ligeramente irritante (probablemente esta la dejaría fuera para no influir en nadie).
Para empezar a detallar la cinta, sostengo que definitivamente no es una película convencional (en el sentido de lo que le agrada a las masas), y por ello es muy probable que desconcierte y frustre al público casi tanto como muchos otros ejemplos de creaciones impenetrables para la inmensa audiencia borreguil que existe en el mundo. Como muestra de ello, podría citar la obra Under the Skin que salió un año antes que Birdman.
Pero veamos, el protagonista Riggan Thomson es en parte actor y parte superhéroe, al menos en su mente perturbada, no así en la realidad. Al parecer su existencia transcurre mientras navega en el océano de celebridades que ocupan en último apartado de la lista, la que sigue viviendo de glorias pasadas; por este motivo Thomson necesita demostrarse a sí mismo, a sus demonios internos y al mundo en general que él es un actor de verdad y para conseguirlo decide montar una obra en Broadway. En ese sentido, es difícil no pensar en el Batman de 1989 dirigido por Tim Burton y protagonizado por el propio Keaton, por lo que esta historia casi se convierte en el arte de imitar la vida del actor.
Entonces, ¿en dónde trazamos la línea en cuanto a qué es la realidad y que es la ficción? Ese es uno de los muchos temas recurrentes tratados en este ejercicio cinematográfico. De hecho, tal vez podría declararse que es el tema central del mismo. ¿Dónde y cuándo dibujamos esas líneas divisorias que se vuelven fundamentales en el arte?
Mientras tanto, Riggan Thomson siente la creciente presión de una apertura en Broadway que se acerca rápidamente. Se trata de un dilema en el que él mismo se ha sumergido. Su vida está en ruinas. Se encuentra todavía apenado con lo que le hizo a su ex exposa, mientras intenta, de manera bastante inepta e intermitente, vincularse con su hija. Ha asumido una deuda abrumadora para financiar su obra que, si tiene éxito, le proporcionará la reivindicación personal que necesita para poner su vida y su carrera de nuevo en marcha. Sus problemas parecen insuperables, o al menos, se ha convencido a sí mismo de que lo son.
Con tal de conseguir su objetivo, con tal de que este casi heroico esfuerzo llegue a buen puerto, decide elegir una obra corta de Raymond Carver titulada De qué hablamos cuando hablamos de amor, adaptándola de una manera que le permita brillar, que lo lleve a ser el centro de atención de todo el número.
Para la peligrosa odisea determina ser acompañado en escena por su amiga Lesley a quien le ofrece debutar en su obra, además de su inestable novia Laura; sin embargo en los ensayos no se encuentra muy convencido sobre el talento de su coprotagonista masculino. Entonces, de forma hábil resuelve que el tipo salga de su creación gracias a un accidente que el mismo provoca, pero de forma desafortunada esto genera que otra personalidad voluble se sume al reparto en la forma del famoso actor Mike, quien amenaza seriamente con eclipsar de manera completa a Thomson con su teatral brillantez.
Cuando el tipo hace acto de presencia en el relato, la peculiar presentación del personaje conduce a una de las mejores líneas en un diálogo con tono cómico en los recientes años: ¿Cómo es que conoces a Mike Shiner? pregunta Keaton, Compartimos una vagina, responde Watts.
De nuevo, con esta introducción, vemos al arte imitando a la vida, ya que la actuación de Norton (particularmente en la primera mitad de la cinta) realmente alcanza niveles que llegan a eclipsar la labor de Keaton. No obstante, debo manifestar que en general, sigue siendo la película del protagonista, y su actuación es notable en un papel extremadamente heterogéneo y desafiante.
También se destaca la señorita Emma Stone, como la hija-asistente sexualmente muy despierta casi lujuriosa y que se la vive drogándose. Esto se vuelve particularmente cierto en un chiste que le hace a la cámara, donde Stone ofrece lo que podría llamarse un momento Anne Hathaway al estilo de los Miserables que le suelen encantar a la Academia.
En cuanto a la banda sonora, me parece que es sumamente atrevida la labor de Antonio Sanchez, ya que realmente contrasta la acción de las imágenes que disfrutamos en pantalla. Al derribar la cuarta pared, el baterista sigue apareciendo a lo largo de la cinta de forma aleatoria y de la manera más sorprendente.
Ahora bien, ¿qué hay de aquel ligeramente irritante que hubiera usado para describirla?
El director Alejandro González Iñárritu sin dudas ofrece un tour de force con este proyecto; un clásico instantáneo que será utilizado por los estudiantes de cine durante los próximos años. Sin embargo, nos entrega la cinta en el estilo de una toma continua (el famoso plano secuencia). Y aunque esto me pudo resultar novedoso la primera vez, personalmente comencé a encontrarlo tedioso e irritante al final del filme.
Al igual que ocurre con Rope la cinta de Hitchcock, también filmada de esta manera, resulta fácil distraerse constantemente buscando dónde ocurren realmente los cortes, a veces percibiendo lo que parecen ser un par de cuadros inconsistentes donde, en primer lugar quizás no existió ningún corte. La cámara de Iñárritu se mueve por todas partes, deslizándose y volando (como si la película entera fuera prácticamente una sola toma larga), siguiendo los movimientos de los actores, pasando por puertas, detrás de escenarios, en la calle, incluso alcanzando el techo y más allá, mientras la banda sonora hecha a base una batería subraya la acción como si se tratara todo visto desde el enfoque nervioso de una hemorragia intracraneal.
A pesar de esto, creo que es digno de otra mención especial el señor Emmanuel Lubezki, cuya cinematografía en esta producción cuenta con muchas similitudes con los efectos clásicos de Hitchcock, incluidas aquellas tomas y planos largos que parecen ir a la deriva y que parecen derretirse sin problemas a través de barandillas de metal. Muy impresionante.
Indiscutiblemente esta es una película que exige mucho de sus espectadores, pero aquellos inteligentes que se permiten sumergirse en el maravilloso mosaico de la experiencia, encontrarán algo con lo cual deleitarse y de modo ansioso volverán a querer visitarla después de que hayan recuperado el aliento
En resumen, esta debe ser una visita obligada para los amantes del arte de la cinematografía. Una celebración rica y extravagante en el cine que mereció el oscar a la mejor película.
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