Koyaanisqatsi (1982)

 

Dirección: Godfrey Reggio

Duración: 86 minutos

País: Estados Unidos

Reparto (metraje de archivo): Edward Asner, Pat Benatar, Jerry Brown, Johnny Carson, Dick Cavett, Marilyn Chambers, Sammy Davis Jr., Lou Dobbs, Thomas Dolby, Linda Ellerbee, Jerry Falwell, Mark J. Goodman, Ted Koppel, Peter Sellers, Bill Tush.

Esta pelicula experimental observa el mundo y más en concreto, el efecto que la humanidad ha tenido en el paisaje y el medio ambiente. Sin narración ni historia, la pelicula muestra el mundo en un estado prístino e intacto: cielos azules, hermosos paisajes y vistas infinitas. El mundo construido por el hombre es mucho menos atractivo. Se trata en esencia de un montaje en el que se utilizan diversas técnicas cinematográficas para ofrecer una variedad de imágenes visualmente asombrosas.

Koyaanisqatsi es un experimento visual como pocos. Una crítica social cargada de filosofía imprescindible para cualquier cinéfilo. No sólo por sus características que la hicieron única en el momento de su estreno, como la ausencia de diálogos, o la simplista pero impactante banda sonora, sino también por innovar en un genero poco explorado hasta ese momento de la forma tan ambiciosa que lo hizo Reggio en colaboración con Fricke.

Teniendo en cuenta lo mostrado en pantalla y la época en que se estrenó, lo poco que ha envejecido esta obra se vuelve motivo de toda clase de ideas. Incluso hoy en día, es una cinta que no se puede evitar. Ya sea para conversar desde un enfoque filosófico tal vez cercano al existencialismo, o tal vez a partir de un análisis semiótico del metraje, o simplemente para deleitarse con su fotografía, la obra aportará algo nuevo con cada nueva revisión.

La palabra Koyaanisqatsi es una expresión de la etnia indígena conocida como Hopi que significa vida desequilibrada. La pelicula aparecida hace más de cuarenta años dirigida por Godfrey Reggio, es una representación experimental de esta revelación, que supone un hermoso asalto a los sentidos del público. 

Desde luego, no es una obra hecha para el disfrute de todo el mundo, ya que no se trata de una pelicula tradicional en el amplio sentido de la palabra: es decir no hay actores, ni argumento, ni se usan voces en off; es solo una visión casi biográfica de la vida en la Tierra. Con mayor precisión, se trata de cómo el planeta en toda su gloria existe con el hombre, el organismo que supone la mayor amenaza para el ambiente y que causa el mayor desequilibrio dentro del mismo. Pero no se fie de lo que le digo yo, sino de lo que dice el propio Reggio:

Corresponde al espectador asumir por sí mismo lo que significa Koyaanisqatsi. Para algunos es una pelicula ecologista, para otros una oda a la tecnología, para otros una mierda, y a otros los conmueve profundamente. Depende de a quién le preguntes. 

Como sea, muy independiente de lo que se obtenga de esta luminosa observación, una cosa es segura: se puede editar una mezcla de imágenes bellas y trágicas, yuxtaponerlas en una inquietante partitura musical (creada por el célebre Philip Glass) y crear con todo ello una narración maravillosa. 

Desde luego, han existido otros experimentos cinematográficos en los que las imágenes se editan juntas para crear algo distinto, en especial en el cine ruso y europeo. Este experimento de Reggio se basa en ellos y va un paso más allá. En lugar de limitarse al ámbito cinematográfico, ha habido artistas que han utilizado el cine en sus obras para intentar crear cosas como esta cinta. Este filme tiende un magnifico puente entre el cine y el arte.

Esta creación se convirtió en el primer largometraje del director Godfrey Reggio. Este director había comentado en algún momento que la dirección original que pretendía tomar estaba más relacionada con un movimiento artístico que con una critica filosófica de corte existencial. Esto ultimo cambio finalmente con el trabajo conjunto que ocurrió entre Reggio y el citado Ricke. Sin embargo, comenzó mucho antes. Según las entrevistas que se le han hecho al realizador, algunas cintas que influyeron en el sentido de esta cinta fueron la Dolce Vita y Los olvidados de Luis Buñuel. Por lo tanto, la influencia religiosa y el simbolismo presente en ella permitieron que durante unos seis años este proyecto tomase una trayectoria determinada.

Se convierte así en una obra que no es crítica con los efectos del uso de la tecnología por el propio hombre, sino más bien una crítica a la tecnología misma. En un nivel preliminar podríamos pensar en la superficie que sucede una transición de la naturaleza a la tecnología, pero no es así. Según el director, se buscaba criticar al hombre, ahora transformado en tecnología; una fusión como la simbolizada en Tetsuo (1989) y con un final posiblemente similar. Por supuesto la referencia es por el simbolismo que existe no en la narrativa porque son géneros diferentes,

Vale decir que no es el tipo de pelicula que pondría si supiera que la gente de la sala tiene poca capacidad de atención o no puede con la conceptualización teórica. Es más bien una pelicula artística (si es que el terminajo existe) que aprecian los críticos y los aficionados al arte.

Koyaanisqatsi es impactante, pero deja que el publico decida lo que quiere ver, es visualmente impresionante y a veces inquietante; trata de ciertas cosas y no trata de nada; es sencilla, pero tiene el potencial de ser tan profunda como algunos de los cañones que se aprecian en las primeras escenas. 

Sin duda uno de los puntos más altos de este filme es la fotografía. Rodada en múltiples locaciones del mundo, y mostrando una fotografía que no parece tener ninguna prisa por transmitir el mensaje, Ron Fricke embarca al espectador en un viaje silencioso a través de muchas situaciones cotidianas o que simplemente damos por sentadas en nuestro día a día. Aquí o en Hong Kong, la indiferencia colectiva es un mal creciente. 

En lo que concierne a la banda sonora es increíble imaginar que la primera versión de esta pelicula fue imaginada acompañada con coros y cantos con música armónica de fondo, sin embargo este fue el resultado que permitió que la cinta tomara un poco de forma. Con la implicación de Philip Glass en la producción, se inició un proceso de creación a partir del cual el musico siguiendo las directrices de Fricke, creó el sonido que quería transmitir. 

Los sonidos y la transición que realizan nos llevan a un recorrido visual que complementa las imágenes de forma esencial. Es como observar un cuadro y analizarlo desde diferentes perspectivas y movimientos. Dicho de otra forma, la obra no seria la misma sin el excepcional trabajo realizado, al igual que la banda sonora no es impactante por si misma.

Al final, estamos ante una pelicula unica que compite consigo misma y con un puñado de cintas de un genero que no ha sido tan explotado como otros. Por supuesto, los documentales en general siempre han tenido este problema para ser rentables: conseguir dinero en taquilla o distribución.

Con algo menos de hora y media de duración, recomendaría verla al menos una vez, pero como ya he dicho, no será para todo el mundo. Poética y limítrofe en la vanguardia, citando de nuevo a Reggio: un mero gato que ladra.

Por último, es una pelicula densa, que no se ve con palomitas, sino probablemente con una libreta para tomar notas que después se analicen y discutan. Como sucede con cualquier cinta, las futuras revisiones serán mas fáciles de digerir.